西班牙画家毕加索诞生

在139年前的今天，1881年10月25日(农历1881年9月3日)，西班牙画家毕加索诞生。童年的毕加索1881年10月25日毕加索诞生。毕加索(PabloPicasso，1881—1973)，是二十世纪西方最具影响力的艺术家之一。他一生留下了数量惊人的作品，风格丰富多变，充满非凡的创造性。毕加索，西班牙著名画家，现代派绘画的主要代表人物。1881年10月25日出生于西班牙小城马加拉。受父母熏陶，自幼喜爱绘画，先后入巴塞罗那和马德里皇家艺术学院学习。1904年他定居巴黎，从此在法国生活近70年。他早期的绘画受印象派的影响。1907年，毕加索代表作《阿维农的少女》问世，从此与勃拉克开创了一个新的画派--立体主义绘画，后来形成分析立体主义和综合立体主义两个阶段。1920年前后其作品较注意写实，而1925年后的作品又带有超现实主义色彩。1937年在西班牙内战期间作《格尔尼卡》一画，揭露了法西斯的残暴。1944年他加入法国共产党。1949年为世界和平大会作宣传画《和平鸽》。毕加索创造力惊人，一生创作油画1800多幅，素描7万多件，还有版画、雕塑和陶瓷制品等。其作品对现代西方艺术有极大影响，享有根高声誉。1973年4月8日在法国逝世，享年92岁。少年毕加索毕加索毕加索是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家，是20世纪最伟大的艺术天才，他的艺术生涯几乎贯穿其一生，作品风格丰富多样，后人用“毕加索永远是年轻的”的说法形容毕加索多变的艺术形式。史学上不得不把他浩繁的作品分为不同的时期——早年的“蓝色时期”、“粉红色时期”、盛年的“黑人时期”、“分析和综合立体主义时期”(又称“立体主义时期”)、后来的“超现实主义时期”等等。下面介绍毕加索不同时期的部分作品，供你欣赏。一、蓝色时期1900年毕加索来到巴黎，并在1904年定居在那里。这期间他的创作被称为"蓝色时期"，是他第一次形成自己的风格。这个时期作品背景蓝，人物蓝，头发、眉毛、眼睛皆蓝，蓝色主宰了他一切作品，背景简化(《熨烫衣服的人》)，避开光感和深度的感觉，把人物结合成一种简单的图样，其中沉重，强烈而流动的线条，给人以不真实的、虚拟世界的印象(《两姐妹》)。这种线条具有情感的重量。画家后来的作品大多具有这种富于表现力的线条的特点。这些特点是从观察人的动作和姿势中得到的。这一时期也是毕加索对现实生活关注的时期，他还没有脱离普通群众太远去追求某些哲理性强于艺术性的表现。那时候的蓝色，是贫穷和世纪末的象征，于是作品多表现一些贫困窘迫的下层人物，画中的人物形象消瘦而孤独。至于为什么毕加索会采用蓝色作为主调，尚没有确定的说法。一种说法认为是受法国画家莫奈和卡里埃的影响，认为这种色调加强了画面中的诗意成分。另一种说法则认为，毕加索之所以偏爱蓝色是因为它代表着忧郁。也就在那片单色的浅蓝、粉蓝、深蓝、湛蓝中，毕加索开始走上他的成功之路。熨烫衣服的女人两姐妹一个盲人的早餐悲剧这是毕加索“蓝色时期”的代表作。他在这一时期，目击贫困、绝望与孤寂的人们，加上好友卡萨赫马斯因失恋而自杀的影响，其作品常以蓝色为主调，加强了忧郁和悲哀的气氛。画面中，右侧的妇女停下沉重的脚步，默默无言，双眼直盯着对面的两个依偎着的年轻人。在这位妇女的视线里究竟隐藏了什么?这眼光也许在说，怀中的婴儿即使在绝望中也得继续那无法逃避的人生。画面左侧，男女两人依偎在一起。那位男的形象在写生阶段还像毕加索自己，但到作品完成时却变成了好友卡萨赫马斯的形象了。卡萨赫马斯是一位立志投生绘画艺术的青年，却在巴黎自杀身亡。因此，这幅画里，还包含了毕加索对青年好友的痛苦回忆。《人生》196.5cmx128.5cm1903年二、粉红时期毕加索从后印象派色调的精细中重新发现形体上的大略简洁笔法，而这就是“玫瑰红时期”的典型画法。1904年春，毕加索在巴黎蒙马尔特区永久地定居下来，随着他迁居巴黎、与菲尔南德·奥里威尔的同居，他的蓝色风格时期也宣告结束。柔和的粉红色调开始渗透到他的画布上的单一蓝色中去(《扇子女人》)，很快成为他画布上主要的颜色(《花篮女人》)。那种暖洋洋的、娇滴滴的玫瑰红色代替了空洞抽象、沉重抑郁的一片蓝色。青春和爱情活生生地出现在画面上，人物形象往往是一些富有青春美或是魁梧的人。"玫瑰红时期"就这样开始了，毕加索的油画进入了完全新的世界，一个与流浪艺人和杂技演员接轨的世界，于是也有人称之为"马戏团风格"(《马上的姑娘》)。在这时，毕加索的声望使他得到了与众多女人接触的机会，在这个充满欲望和希图的时代，他用公牛一般的意志统辖着他的女人们(《玫瑰色的裸女们》)。扇子女人花篮女人马上的姑娘玫瑰色的裸女们江湖艺人两位年轻人三、黑人时期1905年下半年，与奥里威尔关系破裂后，毕加索进入了他的第一个古典主义时期，表现出他对艺术形式无休无止的探索(《土耳其装束的夫人》)。他预示着毕加索艺术思想中的一个新的倾向，他追求古典式的单纯线条，匀称和永恒的和谐。粗大的造型如同雕像一样简练，没有偶像的背景和与主题无关的任何细节(《立着的裸女》)。造型人物，开始带上了某种几何形的棱角和简化了的结构，不再用什么玫瑰色和淡蓝色，而是用简朴的褐黄色；与此同时，又有力图强调和保持画面的平衡感。土耳其装束的夫人立着的裸女1906年，毕加索结识了马蒂斯。他从这位野兽派泰斗那里发现了黑人雕刻，从此迷上了黑人雕刻，并吸收其艺术精华融入自己的作品中去。这年，毕加索将调色板上的胭脂洗掉，换上灰褐色的颜料，为文学家斯坦因画肖像。这幅《斯坦因画像》，是毕加索从‘玫瑰红时期’跃入‘立体主义时期’的跳板，即受到原始艺术的影响，也注意了几何学的基本形，画中的手是写实的，而脸却似土著面具式的形象。斯坦因是1902年来巴黎定居的美国女作家。她以实验式表现手法，曾给年轻的先锋派文学家们以巨大影响。她和现代派的艺术家们交往频繁，使其大名常常在现代美术史著作中出现。她不但与比自己小七岁的毕加索相处得很好，而且与马蒂斯、布拉克以及那些立意创造新型艺术的画家十分亲密，经常在这些画家最困难得时候慷慨解囊。她和哥哥利奥不断收藏他们那些富有争议得作品，以示在经济上支持穷画家们专心致志地从事新艺术的创造。斯坦因曾为这幅肖像做了八十次模特儿，最后还是在没有模特儿地情况下，毕加索独自润色此画。朋友们看了完成作后大吃一惊，都指责所画人物根本不象斯坦因。毕加索说：“这有什么关系呢?最后她总会看起来跟这幅画一模一样的。”斯坦因很感激地收下这幅画。数十年过后，评论界一致认为，这幅画与女作家的内在气质是一致的。《斯坦因画像》(《GertrudeStein》)100x81.3cm1906，巴黎在1909年末，毕加索从事一件有重大意义的作品的创作，这件作品是他的经验总结，并且标志着他未来的活动朝现代派方向发展的开端。这部作品就是《阿维尼翁的少女》。这位西班牙画家的着眼点，不像野兽派那样放在色彩上，而是放在形体上，他采用灵活多变且层层分解的、雄浑有力的、宽广而有概括性的平面造型的手法，把形体的结构随心所欲地组合起来。这些平面甚至发展到超越单个的物象，囊括周围的全部空间。这时我们还没有达到完全理性地控制物体，但是，毕加索的画已经导致我们必须走上这一道路。到1909年，毕加索才确立了真正崭新的绘画语言，这语言是从事物的内涵去认识和解析，而不再只是从事物的视觉表象来描绘事物的形象了。《阿维尼翁的少女》彻底否定了文艺复兴时期以来视三度空间为主要目的的传统绘画。毕加索断然抛弃了对人体的真实描写，把整个人体利用各种几何化了的平面装配而成，这一点在当时来说，是人类对神的一种亵渎行为。同时它废除远近法式的空间表现，舍弃画面的深奥感，而把量感或立体要素全体转化为平面性。这幅画，既受到塞尚的影响，又明显的反映了黑人雕刻艺术的成就。强化变形，其目的也是增加吸引力。毕加索说：“我把鼻子画歪了，归根到底，我是想迫使人们去注意鼻子。”这幅画对艺术界的冲击相当大，展出时，蒙马特的艺术家们都以为他发疯了。马蒂斯说那是一种“煽动”，也有人说这是一种“自杀”。有人感到困惑不解，有人怒不可遏。布拉克这位受到塞尚影响的画家也甚为惊讶，然而他知道另一种艺术的形式已经诞生了。这种新创造的造型原理，成为立体派及以后的现代绘画所追求的对象。《阿维尼翁的少女》不仅是毕加索一生的转折点，也是艺术史上的巨大突破。要是没有这幅画，立体主义也许不会诞生。所以人们称呼它为现代艺术发展的里程碑。《阿维尼翁的少女》243.9x233.7cm1909年6月巴黎四、立体主义时期(1910-1911分析立体主义；1912-1914综合立体主义)不久之后，毕加索创立了立体主义。这个时期的观点是：不要去描绘客观物体的外表形态，而是把客观物体引入绘画，从而将表现具象的物体本身和表现抽象的结构形态综合起来。按照传统的透视法，只有一个固定的感觉，多重透视的画法是不允许的。毕加索开创的这种立体主义的造型方法，就是要通过画面同时表现人(有脸有背)的所有部分，而不是象传统画法那样以一个固定视点去表现形象。毕加索的新古典主义绘画虽然描绘了三维空间的立体结构，但与传统的古典主义绘画相比，其韵味迥异其趣，那巨大的结构和人体造型等无不表现画家对其中线、面与体积的相互关系，以及其形成的空间的关注；用似乎洪荒偶人的笨拙粗稚(《海滩上奔跑的妇人》、《熟睡的农民》、《坐着的裸女》)大大否定了以往古典派的比例法和印象派的自然法。事实上，毕加索的新古典主义绘画并非与立体主义相对抗，而是一种对立体主义的纯然净化，是在重新研究其本质构成上进行的旁支探索。土耳其装束的夫人熟睡的农民坐着的裸女五、超现实主义时期很快，毕加索步入了他生命中最神秘的“超现实主”探索，当撕裂的造型(《格尔尼卡》)、深邃和凶残(《女主角》)代替了以往的忧郁或是怪诞的时候，毕加索的生活也陷入了一个个的旋涡。他开始以放荡不羁的个人形象展现在公众面前。女人们在这个狂暴、贪婪的男人身上渴望着分享他的艺术灵感与名气，但她们得到的却只是虚无而残酷的现实；相对感情而言，毕加索更看重她们的身体，为了使她们在使他娱兴之余成为他听话的创作工具(《哭泣的女人》、《自我陶醉的女人》)，他甚至使用了许多令人瞠目的低级手段。哭泣的女人自我陶醉的女人对佛朗哥政府的残酷行为不满的毕加索定居巴黎，但当1937年4月26日西班牙巴斯克省的历史名城——格尔尼卡在西班牙内战的混乱中，遭到法西斯德军的突击，全城被炸为一片瓦砾，死伤数千人，而且大多是老弱妇孺时，激起了毕加索强烈的愤怒，因为他一想到德军这样强大的军事力量，对一个不设防的小村庄竟然进行这样残暴的轰击，就义愤填膺，於是开始动手绘制这幅壁画，要以画笔为枪来抵抗不人道的暴戾行为。这幅《格尔尼卡》到底表现了什么呢?里面没有飞机、炸弹、坦克、枪炮，只有牛、马、女人、灯……等物体，然而它的意义已经超越了表象。毕加索把象征性的战争悲剧投入蓝色调中，那浅青、浅灰在黑色调的对照中表现正义的极点，它聚集了残暴、痛苦、绝望、恐怖的全部意义。这木然屹立的公牛、濒死嘶鸣的马、仰天狂叫的求救者、断臂倒地的士兵、抱着死婴号啕大哭的母亲、吓得发呆的见证人……到底表现了什么呢?毕加索对于他的作品经常保持沉默，希望给予观赏者自由的体验空间，但是对于《格尔尼卡》这幅作品他曾解释道画作中的牛、马和以生气勃勃的线条绘出的手的涵义，以及西班牙神话中那些象征的起源的涵义。他说：“……牛代表残暴，马则代表人民。不错，我在那画里用了象征主义，但并不是在其他画里都这样做……。”“那幅画是存心向人民呼吁，是有意识的宣传……”因为在西班牙一般人心目中，斗牛场上出现的公牛，往往代表着妖怪、恶魔等黑暗势力之文化因素下，所以毕加索会以牛来代表着无视人民疾苦的残暴政权。同时，在斗牛场上的斗牛士攻击下，公牛终难以逃脱死亡的命运之西班牙斗牛文化下，这匹马乃为象征着面对公牛咆哮不屈服的人民，他们是对抗暴政的主力军。战士虽然已经倒下，但他仍然紧紧地握着那柄剑与象征着生生不息的精神花朵，表达了人民的复仇的决心和决战到底的精神。因为这幅巨画是毕加索为以进步和平为主题的巴黎万国博览会之西班牙馆所绘制，并且曾到英国、美国等其它国家巡回展览，引发了全世界热爱自由、拥护民主人士的共鸣，同时在画家声明要将该画捐赠给结束佛朗哥政权后的西班牙祖国之种种动作下，使得该画的意义很快就超出了单纯事件的抗议范畴，而成为政治斗争中的一种文化示威，甚至成为文化对暴力的一种对抗。就其意义来说，这幅作品超过了这桩偶然事件，而正好是通过绘画技巧起了象征启示、重要契机的作用。这是由一个触目惊心的、狂暴的、尤其是缺乏色彩的形体所构成的画面；这色彩是指光影和立体感，也正是由於缺乏这一点，它就象征着死亡。这死亡不仅是轰炸受难者的死亡，而且也是文明的死亡。《格尔尼卡》3.5m×7.8m马德里，普拉多美术馆藏“我爱夏娃，我要把他写到我所有的作品里”。随心所欲的构图与割裂形体的重组，在他的艺术世界里用全新的方式讲述着他的女人们的故事。女主角47岁的时候，毕加索结识了17岁的金发女郎华尔特(《坐着的女人》)，他深深地被这位散发着青春的异性征服，他们的关系成为与毕加索交往中女人的神话。画家64岁时，他画了华尔特众多画像中最著名的《梦》，随着这幅庆祝他生日的作品，他写道“虽然你度过了你年龄的倍数，但在我心中依然是你17岁的样子，那一头美丽的金发。”这很难与那个被剖视了性器的《镜前的女人》联系在一起，艺术的非逻辑把一切传统打得粉碎。坐着的女人梦镜前的女人其他作品没有人真正理解毕加索，理解他在画什么，他的意图；也许用他的话解释才最为贴切“我什么也没有画，我只是在透视生命与死亡的某种关系”，丑化和变形是他理解死亡的自我方式。巴伯罗·毕加索作品巴伯罗·毕加索作品《弹吉他的老人》(TheOldGuitarist，1903)巴伯罗·毕加索作品-小女孩巴伯罗·毕加索作品三人舞蹈在海滨画家和模特儿和平鸽